Thursday, 7 January 2016


 My book on sale





In October 2015 I had the honour to be one of the 6 artists in residency (AIR) for NOA, in the Gulbenkian Gallery of the Royal College of Art, London, the first of a series of touring exhibitions around the country.

My proposal was an in-situ work, intimate and ephemeral that invited the public to get in and explore. I also wanted to respond to my own research of landscape representation.

Using remnants from my large format charcoal drawings I created an immersive paper landscape. This installation used the apparent simplicity and whiteness of paper. It was also a complex structure: made of giant leaves cut-outs, folded and crumbled that create a volume that can be penetrated. Once inside this landscape, the visitor could explore and discover another one: a miniature landscape. The co-existence of two landscape representations at different scales aims to encourage different sensory approaches towards landscape.



My studio at present is one of  15 studios located in an ACAVA building, in Hythe Road NW10. As part of our lease we are obliged to open our studio one weekend every year.
On its fifth year running, this has become a quite well organised and attended event, thanks to the volunteers behind More than 30 artists participated this year, from other buildings around the area.
More than 400 people visited us, filling our normally quite spaces. 
Here are some images of my studio during that busy weekend!


Something New, Something BlueThis Blue Series, are all oil on board (prepared with gesso, made by myself, using artisan procedures). They all make use of the oval shape and blue hues, appealing to a collective memory (of china trinkets depicting bucolic representations). But this landscape in blue takes on the tropics, seeking to awake the desire for a far away paradise, while at the same time showing a nature that is also slightly menacing. Is painted on a board prepared with homemade gesso, containing fine marble dust, among other very stable and noble materials.

At his point, I have painted 4 out of a total of 7 pieces. 

Blue No4. December 2015. Oil on board, prepared with gesso. 130 x  84 cm

Blue No3. November 2015. Oil on board, prepared with gesso. 130 x 84 cm

Blue No2. September 2015. Oil on board, prepared with gesso. 130x 84 cm

Blue No1. July 2015. Oil on board, prepared with gesso. 130 x 84cm

Tuesday, 8 September 2015


With this series of paintings I am marking my return to painting (intensively, I mean, since I had never stop painting as such).
These paintings have been influenced by the several years I have spent drawing, with charcoal and pencil, exploring nature, concretely, the urban nature of my natal city: Caracas, Venezuela.
The paintings that came before the drawings (and without these paintings there would not be any drawings), explored the painterly qualities of camouflage, as the landscape soldiers dress with. From painting uniforms I went to the landscape behind the soldiers, where they hide (with a great sense of the use and feel for the material, oil and waxy media, as Philip Guston).
I took me 3 years to develop the ATC series of drawings, charcoal and pencil. During this time I continued painting yet the formats were small, oval or circular, and concentrating on the more intimate and delicate images from my photo archive: flowers. These I consider to be camouflage studies, for utopian friendly soldiers, whose uniforms would inspire trust and take away the implication of the army's institutionalised violence.
These paintings were in acrylic, used almost like a watercolour, with transparencies. There were flat, with hardly any texture.

STUDY CAMOUFLAGE ROSE HIBISCUS ON BUSH No 2. 2013. Acrylic on canvas board. 40 x 30 cm

There was an element that appear quite often in my photo archive: deck chairs.  I recognised them as a symbol, a possible compositional element , with its whiteness and geometry and man-made quality. Benches, as deck chairs and tables, in my drawings were also used as elements to reminds us of the plants size, as to emphasise the overwhelming qualities of their growing cycle.

In my archive, there was also another element that appear always that I incorporated in my ATC drawings:  architectural elements, that put into context the monster-like plants.
In my large format drawing, furniture and architecture elements were left as white areas in the complex compositions.

Towards the end of 2014 I unrolled a large canvas (245 x 220 cm)  that I had intended for TROPICO CAMUFLADO, but never made it. 

It became DECK CHAIRS SERIES No 1. 2015. Oil on canvas, not stretcher. 245 x 220 cm. Hangs from a pole at the top.

I tried then to put into practice, in my painting, what I had learned from my drawings. In came a realistic approach towards the nature elements used in the composition, while furniture and architectural element acquired a symbolic status. The architectural archway-like structure make it almost like a old-fashioned photographic backdrop, its fictional qualities enhanced by the lack of stretcher, leaving the canvas irregular and loose on the bottom. The life-size deckchair, draw in such an angle that plays with the illusion of its availability for a minute's rest. It becomes an installation, quoting Las Meninas effect, drawing you in, playing at being an installation. Deck chairs became symbols of human presence and occupation, white and sterile contrast to a  green luscious mass. 

The paintings that followed were of different sizes, and considerable smaller. 

DECK CHAIR SERIES No 2. 2015. Oil on canvas, MDF shelf. 43 x 35 cm

DECK CHAIRS SERIES No 3. 2015. Oil on canvas board, wooden shelf. 29 x 61 x 9.5 cm. Private collection, Madrid, Spain.

With these two small paintings I managed to incorporated the use of white shapes as effective compositional elements, while letting all the lusciousness of the urban jungle come through. The white came for merging architectural and furnishing elements that became untouched areas, masked during the process in order to preserve as much of the canvas whiteness as possible. Also, with these paintings,  came the need to made them more objects that just bi-dimensional images, trying to elevating them to a sculptural level, while reconciling my very own need to incorporate sculpture into my work. I have to mention the difficulty that I had for years to paint on stretched canvases , square or rectangular. These small canvas and canvas board laid  in my studio for many years before I finally understood how to use these formats, to my satisfaction.

DECK CHAIR SERIES No 4. 2015. Oil on canvas. 76 x 152 cm

It was finalist in the Connect2Colour  competition, during Summer  2015 at Lacey Contemporary Gallery.

Tuesday, 17 March 2015


Renata Fernandez. ATC Pencil A3.1. 2014.
Pencil on paper  180 gr. 36 x 49 cm

  The Series ‘ATC Pencil’ is preceded by my series of large format charcoal drawings, also called ATC. The big charcoal drawings are about tropical vegetation. My paintings on camouflage (2008 -  ) gave way to my need for registering flora, as I went from exploring camouflage's painterly qualities (as  the landscape that covers the soldier), to paint the landscape where the soldier hides. A trip to my birthplace, Venezuela, allowed to re-connect and rediscover the biodiversity of such place, not needing to go to far from the urban context of Caracas, my city.

Renata Fernandez. ATC Pencil A3.2. 2014.
Pencil on paper  180 gr. 36 x 49 cm
A subsequent trip to Venezuela coincided with an invitation to have a solo show in Museo Alejandro Otero, Caracas, Venezuela. The first 14 large format charcoal drawings (of a total of 25, so far) were the main body of work of TROPICO CAMUFLADO (October 2013 – March 2014). It took me over 2 years to develop it as a series, and they are the result of the appropriation of images of the tropical urban jungle of Caracas, and a reflection on the engineering, life cycle a geometry of the overwhelming nature.

Renata Fernandez. ATC Pencil A3.3. 2014.
Pencil on paper  180 gr. 36 x 49 cm
The first bulk of images that were later to be used as reference, come from a series of afternoons spent on Altamira Tennis Club (ATC). This images were taken not only by me, but by those around me whom I asked to lend me their eyes and their vision in order to register for me the vegetation around us. I was also, marvelled to be among these monster-like creatures, a quality I used to give them as a child: leaves that are bigger than a child, hanging roots that envelop all around and creep all over...

Renata Fernandez. ATC Pencil A3.4. 2014. Pencil on paper  180 gr. 36 x 49 cm
On subsequent trips to Venezuela I continued to add on to my images archive of urban tropical nature, which I called ATC. After exploring charcoal, and relearning to use it,  I also then had the need to explore another humble technique: the pencil, using my archive of photographs. I have to mention the artist Michael Landy work as inspiration for exploring the possibilities of lineal drawing. As an admirer of Landy, I was mesmerised by the series of lineal works depicting single weeds. By registering delicately these small and common plants of the urban environment, Landy added a great deal of poetry while observing, and revealing to us, their intricate design. 
With this new series, pencil on paper, comes the exploration and developing of intricate drawings that allows for a higher level of observation of these structures, the plants from the urban jungle (the complete opposite of Landy's small weeds, but equally common for those living there) a more intimate looking and understanding their growing cycle,  geometry and  engineering.

Tuesday, 12 November 2013


Individual de Renata Fernandez en el Museo Alejandro Otero, Caracas Venezuela. Curador y productor, Manuel Sanmartin.

La exposicion inauguro el domingo 13 de octubre de 2013, y fue muy concurrida. Lo primero que el publico ve es la intervencion de la fachada, titulada "El Dia de los Trifidos". Estas gigantografias, una obra en conjunto entre el curador Sanmartin y yo misma, son versiones de 4 dibujos de la serie ATC presentes en la sala, ocupan 4 nichos de la fachada este del museo, cada uno midiendo 10 metros de alto por 7.6 metros de ancho. Esta intervencion fue posible gracias al patrocinio de Iberoamericana de Seguros.

--> Al entrar a la sala, el público se encuentra con 14 dibujos de gran formato que forman un mural, la serie ATC, cada uno mide 193 x 117 cm. Cada dibujo muestra una planta o aspecto de una o varias plantas de nuestra jungla urbana caraqueña, y en su aparente virtuosismo traen de la mano una amenaza velada. Los dibujos son una metáfora, de aquello que nos rodea y nos seduce con su exuberancia, pero nos amenaza constantemente con tragarlo todo, de tomar el control.Las obras presentes en la sala 6 del Museo Alejandro Otero sintetizan un proceso en mi obra que comprende los últimos 10 años. Todo arranca con una foto invertida de un soldado británico en avanzada los primeros días de la invasión a Irak. La repetición de este motivo por un año, que su arma atravesada parece una cruz invertida, me llevó a voltearlo un día y conectarme con la humanidad del victimario de la violencia organizada de un ejercito profesional. Esta conección me llevó a concentrarme en su uniforme de paisaje, con el camuflaje y sus cualidades pictóricas intrínsecas, lo cual me llevo a tropezarme con otras imágenes de la prensa internacional de otros tantos soldados en los numerosos conflictos bélicos. Del paisaje en su vestimenta, pase al paisaje que los esconde, para terminar desechando a los soldados eventualmente y quedarme con el paisaje, yo, que el único paisaje que alguna vez me interesara fuera el del concreto de la urbe.
Justo en este momento en mi proceso creativo surge la invitación a exponer en el Museo Alejandro Otero. Coincide también con el hecho que tuve la necesidad de refrescar mi imaginario, y sentía que debía documentar la flora urbana caraqueña (opuesto a la flora bella pero predecible de los numerosos parques londinenses, lugar donde resido desde hace unos cuantos años).

Y así arranca la serie ATC, con las medidas exactas para usar el ventanal interno de la sala 6 del MAO como marcos. 14 dibujos de una serie que aun continua haciéndose. Hago uso de la técnica más humilde, el carboncillo y el borrador, para desenmarañar el amasijo de las plantas que ocupan las islas de las autopistas, los jardines públicos o privados. Blanco y negro para obligar al público a ver lo mas conspicuo de su paisaje urbano, ausencia de color para y virtuosismo aparente para introducir un elemento de incomodo, dramático, donde la arquitectura presente o los objetos vecinos se sugieren, no se terminan, para mostrar escala, para recodarnos que los dibujos son una metáfora.

A continuación me permito copiar el texto de sala, escrito por Colin Smith, pintor, profesor y editor escritor de la revista Turps Banana.

"En la obra de Renata Fernández, el aparente realismo que se nos presenta existe primariamente para ocultar una verdad más profunda. O paradójicamente, un significado que se sugiere o se revela, pero que no se nos ha permitido ver.

En Europa Occidental la preconcepción mas común del cuerpo cultural que emerge de América Latina esta probablemente relacionada al realismo mágico. Éste puede describirse vagamente como un proceso esencialmente narrativo, que evoca a la realidad pero incluye elementos innaturales o fantásticos. Matthew Strecher define al realismo mágico como “algo que sucede cuando un entorno realista muy detallado y realista es invadido por algún elemento demasiado extraño como para creerlo posible”. 

Hasta cierto punto la obra de Fernández cumple, pero difiere de ésta en el hecho que no es una obra alegórica sino metafórica. Ella no está contándonos historias. El concepto de ‘Camuflaje’ – lo que es, por qué existe, y para qué es usado principalmente, son explorados y explotados de una manera desafiante. Es una metáfora extendida, que ella usa repetitivamente. Como cualquier tipo de manifestación militar puede ser usado tanto defensiva como agresivamente. Es en esencia una forma de mentir, que intenta convencernos que algo que está ahí,  no esta ahí.
En este sentido, las obras gráficas recientes de gran formato constituyen un ejemplo en este sentido. A primera vista estas piezas trabajadas de una manera tan fuerte e intrincada parecen muy directas en su planteamiento. Son muy hermosas y han sido realizadas con gran concentración  y con una técnica muy exigente en el confinado estudio de Fernández en el sur de Londres. Estas obras difieren de la fotografía de la que derivan en el drama creado por el uso solo de blancos, negros y grises, y por la evidencia intensa de un proceso, en el cual la manufactura a mano añade cierta tensión, cierta incomodidad.
Sus pinturas tienen una metodología similar, excepto que  van más allá del ‘realismo’que se ha apropiado de la referencia fotográfica, y hacen uso de algunos de los tropos recientes del lenguaje pictórico mismo. La manera como ella manipula la pintura hace uso de la idea modernista de la verdad del lenguaje. A lo que me refiero con esto simplemente es que la pintura siempre parece pintura. Las marcas del pincel son claramente visibles y sin embargo permite romper también con una lectura obvia de la imagen, tal y como lo hace el camuflaje. De esta manera la metáfora se extiende de una manera consciente e ingeniosa. La calidad de la pintura nos seduce no solo a través del color sino también a través de la ejecución visceral.

Tanto los dibujos como las pinturas combinan el sentido poético que algo yace mas allá de lo que vemos, algo intangible y definitivamente hostil. No obstante todo parece estar bien en la superficie. Estamos en el trópico, las plantas y hojas son hermosas, estamos en paraíso – que mal podría acontecer?

Esta es la manera como el mejor Arte funciona con frecuencia, exigiendo que la audiencia haga parte del trabajo. Evocando cosas que se parecen a cosas que ya conocemos, pero para las cuales aún no hemos encontrado la frase o imagen.

Hay otra metáfora extendida de las estructuras que asemejan celdas usadas tanto en la escultura tridimensional como en la presentación de los dibujos. De nuevo en la escultura vemos una combinación de imágenes representativas tanto de la naturaleza como los aspectos mas siniestros de la maquinaria o la actuación militares. Cada bloque o celda contiene un escenario pequeño independiente de los otros, y sin embargo están vinculados como si fueran los edificios de apartamentos modernos o los barrios de los menos afortunados. No hay manera de escapar y poner distancia a lo que aquí se nos presenta, debemos confrontarlo. Otras celdas son de sosiego y calma, abstraídos de lo que acontece a su alrededor, y por ende más vulnerables a la invasión o violación. De nuevo la falta de color en la obra escultórica sirve al mismo tiempo tanto para dramatizar como para crear una unidad formal entre las celdas.

La obra de Fernández en toda sus expresiones como objetos, pinturas y dibujos tiene unidad y convección. Sus implicaciones  y acepciones pueden aplicarse a una situación especifica, o puede tomarse universalmente. Ésta es una de sus muchas fortitudes."

Colin Smith,   Cadaques 2013

Colin Smith M.A.( Royal College of Art)
Harness Fellow de la Universidad de Yale
Editor Asistente y escritor de la Revista Turps Banana, Londres, Reino Unido. Revista epecializada en pintura.
Tutor del programa de pintura de Turps Banana
Profesor Loughborough University. Petterborough. Reino Unido

Vive y trabaja entre el Reino Unido y España